Sócia diretora da Porto de Cultura, atua no campo do estudo e pesquisa sobre fotografia brasileira, seus processos, práticas e teorias, há 20 anos. Curadora adjunta da coleção de fotografias brasileiras da Bibliotèque nationale de France, é também a responsável pela criação do Festival Photothings. 

Bacharel em “Arte: História, crítica e curadoria” (Pontifícia Universidade Católica de São Paulo) e Mestre em “Estética e História da Arte” (Universidade de São Paulo), é autora do livro Eduardo Salvatore e seu papel como articulador do fotoclubismo paulista (2018). 

É diretora artística do Espaço PORTO, dedicado à reflexão crítica sobre a fotografia brasileira, onde são organizados exposições e cursos sobre fotografia. 

Professora convidada dos cursos de pós-graduação do Senac (Fotografia e Arte), da Faculdade Belas Artes (Fotografia) além de ministrar cursos de curta duração no Centro de Formação e Pesquisa (CFP) do SESC/ SP. Com amplo conhecimento sobre as leis de incentivo à cultura Marly Porto é contratada fixa pela Orquestra Sinfônica de Piracicaba e pelo Instituto Brasil Solidário para supervisionar a realização desses projetos junto ao Ministério da Cultura, incluindo a sua prestação de contas. 

Como palestrante participou de conferências como In black and white: photography, race and the modern impulse in brazil at midcentury apresentada pelo Museum of Modern Art (New York, 2017) entre outras, ministradas no Fotoklub Zagreb (Croácia) e no Centro de la Imagen (México) entre outros. Assina a coordenação de inúmeros livros, exposições e seminários sobre fotografia. 

Emiliano Dantas (SP, 1978) é antropólogo, pesquisador e fotógrafo. Sua produção investiga a fotografia como linguagem, prática de conhecimento e instrumento de formação da consciência crítica, articulando imagem, educação, memória e transformação social.  

 Sua pesquisa busca compreender de que maneira as imagens produzem sentidos, constroem narrativas e ampliam as possibilidades de leitura do mundo. A partir de uma perspectiva antropológica, desenvolve projetos que relacionam fotografia, experiência e práxis, entendendo a visualidade como uma forma de conhecimento capaz de promover diálogo e reflexão.  

 Ao longo de sua trajetória, realizou pesquisas e percorreu diferentes territórios e países, construindo seu trabalho a partir da escuta e do encontro com pessoas e comunidades. Essas experiências alimentam uma produção que compreende a fotografia não apenas como registro, mas como um dispositivo de investigação, aprendizagem e transformação das relações entre sujeitos, memória e sociedade.  

Paulo Octavio Pereira de Almeida, também conhecido como P.O. e executivo da área de marketing, sempre teve a oportunidade de viajar para diversas cidades em todo o mundo. Seja em viagens a trabalho onde sempre encontrou algumas horas vagas para “flanar” pelas cidades que visitou, seja nas suas férias com a família, a câmera fotográfica sempre está ao seu lado. 
As imagens majoritariamente em Preto & Branco retratam mais de 30 cidades em todos os continentes, e possuem uma forte influência dos estilos e imagens de grandes fotógrafos que influenciaram e continuam influenciando até hoje o estilo visual do P.O. Nomes como Lee Friedlander,Andre Kértez, Manuel Alvares Bravo,Henri Cartier Bresson, Carlos Moreira e Cristiano Mascaro são as suas principais referências. 

Rodrigo Koraicho é fotógrafo e artista visual. Graduado em Comunicação Social pelo Centro Universitário Belas Artes de São Paulo, possui mestrado em Estética e História da Arte pela Universidade de São Paulo (USP). Iniciou sua trajetória na fotografia em 2004, desenvolvendo ensaios autorais e atuando em diversas áreas da imagem. 

Sua produção transita entre fotografia, instalação, audiovisual, poesia, som e objetos — explorando as fronteiras entre narrativa visual, autoria e o caráter documental. Seus projetos abordam aspectos da sociedade contemporânea e das relações humanas, com foco na memória, nos afetos e nas tensões do cotidiano. 

Seu trabalho integra coleções privadas e institucionais, e já foi apresentado em exposições individuais e coletivas em instituições como o History Miami Museum, Leica Gallery (Polônia), Ephemere Gallery (Tóquio), Museu Afro Brasil, Museu da Fotografia de Fortaleza, Unibes Cultural e Galeria DOC, entre outras. 

Foi premiado no Brasil e no exterior por concursos como Leica Photo Contest, Prix de la Photographie (Paris), Miami Street Photography Festival, Lensculture Portrait Awards, IMA-Next (Japão), The Royal Photographic Society (shortlist) e Head On Photo Festival (Austrália).. Em 2025, foi vencedor do Lenzburg Photo Festival. 

CAIO ROSA (1992, Rio de Janeiro, Brasil) é artista visual, fotógrafo e pesquisador radicado em São Paulo. Sua prática explora as relações entre fotografia, som, escultura e materiais de arquivo para investigar a memória, a transmissão cultural e as histórias por trás das imagens. 

O trabalho de Rosa dialoga com as tradições culturais afro-brasileiras, entre Rio de Janeiro e Minas Gerais. Por meio de processos fotográficos experimentais, instrumentos musicais, esculturas e instalações sonoras, ele examina como o ritmo, a água e a transformação material podem atuar como portadores da memória histórica. 

Seu trabalho foi apresentado nacional e internacionalmente em instituições e exposições como Pinacoteca de São Paulo, Museu de Vassouras, Festival Rencontres d’Arles, Saatchi Gallery, Fotografiska Stockholm e Academia de Belas Artes de Viena. Em 2026, foi selecionado para a 15ª edição das Rencontres de Bamako – Biennale Africaine de la Photographie, no Mali. Rosa foi agraciado com o Prix Photo Aliança Francesa em 2024 e foi artista residente na Cité Internationale des Arts, em Paris.

Paulo Henrique Costa (Paulo H. Costa) é fotógrafo autodidata, pesquisador e comunicador socioambiental, nascido e criado em Cruzeiro do Sul, no Vale do Juruá, Acre. Mestre em Ciências Ambientais pela Universidade Federal do Acre (UFAC), desenvolve desde 2024 uma produção fotográfica autoral voltada às relações entre território, memória, identidade, ancestralidade e crise climática na Amazônia. Seu trabalho parte de uma perspectiva amazônida e busca documentar as transformações socioambientais e as histórias de resistência dos povos da floresta. 

Sua produção já foi reconhecida em importantes premiações, entre elas o Prêmio Funarte Marc Ferrez de Fotografia – 17ª edição, o Prêmio Fotolivro Artesanal do 4º Festival PhotoThings e o Concurso Fotográfico Direitos Humanos: Transformação Social 2025, do Fundo Brasil. Em 2026, foi vencedor da categoria Energia e Clima do Prêmio Pensadores de Futuros e também recebeu reconhecimento no Concurso Dom Phillips e Bruno Pereira, na categoria Fotografia/Fotojornalismo. 

É autor dos fotolivros “Vidas Amazônidas: retratos de um Acre que resiste”, que integra o acervo da Bibliotèque nationale de France, e “Raízes do Juruá: retratos da Amazônia acreana”, lançado em 2025 no Acre e em São Paulo. Seus livros e projetos refletem seu compromisso com a valorização das narrativas amazônicas e com a fotografia como ferramenta de memória, resistência e transformação social. Sua obra já integrou exposições e mostras no Brasil e no exterior. 

Dan Agostini (SP, 1985) é um fotógrafo documentarista brasileiro, não binário transmasculino. É formado em Fotografia, com pós-graduação em Arte Contemporânea pelo Senac São Paulo e em Fotojornalismo pela Seven Foundation. Seu trabalho investiga as relações entre gênero, identidade e direitos humanos. Já colaborou com The Washington Post, Insider, Neue Zürcher Zeitung e Noor Images, em projeto para a Organização Mundial da Saúde (OMS). Seus projetos receberam apoio da National Geographic, Funarte, Lucie Foundation e VIST Projects. Participou de exposições no Brasil e no exterior, incluindo México, Estados Unidos e Japão. Recebeu o Yunghi Grant, o Prêmio Marc Ferrez, o POY Latam e o 50/50 Global Health, além de duas indicações ao World Press Photo Joop Swart Masterclass. Seu projeto “Palomas” foi selecionado pelo Festival Photothings para publicação em fotolivro, e a série integra o acervo do Museu da Diversidade Sexual de São Paulo.  

Isabella Finholdt (SP, 1993) é fotógrafa e fotojornalista freelancer. Bacharela e mestre em Artes Visuais pela Universidade de São Paulo, desenvolve, desde 2018, projetos documentais voltados às relações entre território, juventude, direitos humanos e comunidade.  

É aluna da VII Academy e colabora com veículos nacionais e internacionais, produzindo trabalhos relacionados a direitos humanos, cotidiano, política, cultura e questões socioambientais. Em 2023, recebeu uma bolsa do CCP – IFA (Alemanha), onde realizou uma residência de três meses na agência Zeitenspiegel, em Stuttgart, além de colaborar com jornalistas e veículos de comunicação locais.  

Paralelamente à sua produção autoral, atua como fotógrafa freelancer de eventos e retratos e foi responsável pelo registro de parte do acervo do Museu Afro Brasil entre 2022 e 2023. Em 2024, recebeu, juntamente com a jornalista Miri Watson, o prêmio para jovens talentos da DSW – Deutsche Stiftung Weltbevölkerung, pela reportagem sobre mutilação genital feminina na Gâmbia.  

Letícia Adelia Valente de Almeida, cujo nome artístico é Letícia Valente, é fotógrafa, artista visual e psicóloga, alterna residência entre as cidades de São Paulo/SP e Belém-PA. Nascida em Belém do Pará em 21/09/1979, trabalhou em diversas áreas da fotografia até se encontrar na fotografia documental e de rua e, mais recentemente, na fotografia artística experimental, pois nesses campos de atuação pode se expressar e contar histórias que estão ligadas aos seus valores e sua forma de ver e estar neste mundo. Participou de exposições coletivas com as temáticas religiosidade, universo feminino e cultura amazônica. Em 2025 teve seu primeiro ensaio publicado em uma revista de circulação nacional sobre o sertão nordestino. 

Sua produção investiga temas ligados à cultura, memória, corpo e subjetividade feminina, explorando a fotografia como território de reconstrução simbólica e emocional. Atualmente desenvolve projetos de fotografia documental e de rua e no campo da fotografia artística experimental como forma de narrar processos de transformação e cura.